I.ВВЕДЕНИЕ.Кинематограф как средство массовой коммуникации
II.ЗАРОЖДЕНИЕ КИНЕМАТОГРАФА:
-Последовательное фото
-Рождение кино
-Дитя XX века
-Первый киносеанс
-Рождение языка кино
-По дорогам мысли и чувства
-Смотреть и видеть фильм
III.ГОЛЛИВУД:
-Рождение планеты Голливуд
-Эра немого кино
-Отец техники киносъёмки
-«Рождение наций»
-Киновойны
-Возникновение жанров
-Кино эпохи джаза
-Закат великого «немого»
IV.ВЕЛИКИЙ ЧАРЛИ ЧАПЛИН
V.ЗАРУБЕЖНОЕ КИНО В 50-90-е ГГ
VI.МЭРИЛИН МОНРО
VII.СТИВЕН СПИЛБЕРГ
VIII.НАШЕ КИНО:
-Отечественный кинематограф
-Возникновение первых фильмов в России
-Два русских кино в 20-е гг
-Научно-просветительские фильмы в дореволюционной России
-Российское кино
-Информация по отечественному кино
IX.НЕПОВТОРИМЫЙ ЭЛЬДАР РЯЗАНОВ
XX.ЛЕОНИД ГАЙДАЙ
XXI. «ОСКАР»
 XXII.ВСЕ ЛАУРЕАТЫ ПРЕМИИ АМЕРИКАНСКОЙ КИНОАКАДЕМИИ «ОСКАР» В НОМЕНАЦИИ
«ЛУЧШИЙ ФИЛЬМ»
XXIII.ЗАКЛЮЧЕНИЕ
СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ



 Кинематограф как средство массовой коммуникации.

 Кино оказывает мощное воздействие на сердца и умы молодежи.
Естественно, что к нему привлечено внимание социологов, эстетиков,
искусствоведов, теоретиков культуры - всех, кого интересуют проблемы
художественного творчества и восприятия, средств массовой коммуникации,
динамики общественных настроений и так далее.
 Прежде всего, кино отличается от других видов искусства (в частности,
от театра) тем, что оно занимает гораздо больше социокультурного
пространства, выходит далеко за пределы художественного круга. Если театр,
условно говоря, держит себя в узких рамках искусства, то кино охватывает
своим влиянием буквально всё, от духовных идеалов до этикета и моды.
Активное участие кинематографа в процессе массовой коммуникации повышает
потенциал его социального воздействия.
 Массовая коммуникация - это процесс распространения информации (знания,
духовных ценностей, моральных и правовых норм и т. д.) с помощью средств
печати, радио, кино и телевидения на большие рассредоточенные аудитории.
При этом массовая коммуникация – это социально-ориентированный
опосредованный вид общения, причем его главной функцией является не просто
информирование, но и соединение рассредоточенных индивидов в социальной
среде. Проще говоря, массовая коммуникация выступает как средство, с
помощью которого человек ощущает себя членом широкой общности, т. е.
социума, и активно включается в его жизнь.
 Даже те средства массовой коммуникации, которые получили
самостоятельное художественное значение, сохраняют неразрывную связь с
социальными процессами общества. По отношению к кино, которое, как уже было
сказано, формирует публику, эта мысль наиболее верна.
 Произведение киноискусства, как некая целостность, оказывается тесно
связанным с широким социокультурным контекстом, который его порождает.
Восприятие фильма вызывает целый ряд ассоциаций, на первый взгляд, не
вытекающих из его визуального ряда. По всей видимости, такая связь текста
фильма с действительностью объясняется спецификой языка, которым оперирует
кинематограф. Киноречь - это «оттиски» видимой и слышимой жизни. Зритель,
захваченный экранными образами, переживает судьбу героя, как свою
собственную. Он как бы входит в мир фильма. Человек перестает быть простым
наблюдателем событий, происходящих на экране. Он их активный участник.
Более того, сюжетные перипетии фильма рождают у зрителя ассоциации,
связывающие художественную ткань картины с той действительностью, которая
его окружает.
 Действительно, художественный фильм, оперируя наиболее «безусловным»
языком, обращаясь к публике кинозала, создает совершенно особый тип
контакта с произведением искусства. Мера вовлечённости зрителя в экранное
действо настолько велика, что требуется достаточно высокий уровень
интеллектуальной подготовки для идеального, с точки зрения эстетики,
восприятия, которое характеризуется определенной степенью отстранённости и
аналитическим отношением к воспринимаемому. Наверное, поэтому так типична
ситуация, когда фильм, являющий, с точки зрения критика, действительное
произведение киноискусства, проваливается в прокате.
 В силу своего статуса как средства массовой коммуникации, кино обладает
огромным потенциалом воздействия на общество. Как бы ни относился зритель к
показанному на экране, по какой бы причине он ни шел в кинотеатр - провести
свободное время, встретиться с друзьями, наконец, получить наслаждение от
произведения искусства, - в любом случае «мир» фильма, хотя бы одной из
своих многочисленных сторон, затрагивает его. Особенно тогда, когда этот
«мир» организован по законам зрелища.



 ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОЕ ФОТО.

 В 1872 г. английского фотографа Эдварда Мьюбриджа (1830—1904)
пригласили приехать на коневодческое ранчо в Калифорнию (США). Хозяин ранчо
держал пари с приятелем и попросил Мьюбриджа помочь выиграть его. Дня этого
нужно было сфотографировать момент, когда лошадь, идущая рысью, отрывает от
земли все четыре ноги. Мьюбридж установил на ипподроме 48 фотокамер и с
помощью часового механизма последовательно делал снимки. Получился
последовательный ряд фото, доказывающий, что хозяин ранчо прав, и он
выиграл пари.

 РОЖДЕНИЕ КИНО.

 Эффект сохранения на сетчатке глаза следа увиденного изображения, а
также соединения отдельных, быстро сменяющихся изображений в единое, как бы
движущееся, был известен еще древним египтянам, о нем писал Лукреций, его
исследовали Леонардо, Ньютон. Позднее были изобретены приборы, сливающие в
движении изображения предметов. Они стали научными аппаратами и детскими
игрушками — зоотропами, мутаскопами, тауматропами. В XVII веке был
изобретен «волшебный фонарь» — аппарат, отбрасывающий изображение световым
лучом на отдаленный экран. В середине XIX века австриец Ухациус соединил
зоотроп с «волшебным фонарем»: на экране появились движущиеся рисунки —
почти кино!

 За пятнадцать лет до этого французы Дагерр и Ньепс изобрели фотографию.
Стремительно развиваясь, она вышла на уровень искусства, особенно в
портрете, фотограф Надар выставлял свои работы вместе с импрессионистами.
Научные эксперименты американца Мэйбриджа, французов Марэ и Деммини
позволили снимать серии фотографий с движущихся предметов. Располагая такие
фотографии на движущихся лентах, француз Рейно показывал эти «почтифильмы»
с 1892 года в музее Гревен. Но бумажная лента рвалась. И тут-то химик
Болдырев изобрел целлулоидную ленту. Усовершенствования посыпались как из
рога изобилия: американец Латам создал амортизирующую петлю, немец Аншютц —
демонстрацию с прерывающимся светом, Грейфер — специальную вилку, ритмично
продергивающую пленку перед объективом. Появились и различные
предшественники киноаппарата: англичанина Пола, поляка Прушинского,
француза Фриз-Грина, русских Тимченко, Самарского, Акимова. Многие из этих
аппаратов остались в научных лабораториях, в безвестности. Дальше всех
пошел великий Томас Альва Эдисон. К своему блистательному фонографу,
механизму, впервые заговорившему человеческим голосом, он со своим
ассистентом Диксоном сконструировал кинетоскоп — ящик с маленьким экраном,
взглянув в который через объектив, можно было увидеть и услышать человечка.

 Любое изображение, воспринятое нашим глазом, через мгновение исчезает.
Если же отдельные изображения движущегося предмета быстро сменяют друг
друга, то мозг воспринимает данный предмет как движущийся непрерывно. На
этом явлении основан принцип кинематографа.
 В1894 г. французы братья Люмьер — Огюст (1862-1954) и Луи (1864-1948) —
услышали о кинетоскопе. Этот прибор, представляющий собой ящик с
движущимися фото, создал Томас Эдисон. Зритель, глядя в кинетоскоп, видел
движение различных предметов. Братья построили свой собственный прибор —
"кинематограф”, который проецировал изображение на экран. В 1895г. братья
Люмьер показали 10 фильмов.

 ДИТЯ ХХ ВЕКА.

 Немногим более ста лет назад, в декабре 1895 года, в Париже на бульваре
Капуцинок состоялся первый киносеанс. Зрители, которых привлекло необычное
рекламное объявление, стали свидетелями чуда: на белом экране возникали
призрачные, чёрно-белые, но вполне узнаваемые и реальные картины. Это была
не только «движущаяся фотография» - это сама жизнь ворвалась на экран,
просияла улыбкой ребёнка, прошелестела ветром в кронах деревьев, промчалась
вместе с фиакром по нарядной улице Лиона.
История не сохранила впечатлений самых первых кинозрителей. Но вряд ли кто-
то из них подозревал, что буквально у них на глазах рождается искусство,
которое определит лицо ХХ века – «синема», искусство экрана. Кино.
Кинематограф, если говорить по-французски, на языке создателей первых
киноаппаратов.

 первый киносеанс.

 Братья Огюст и Луи Люмьер были наследниками владельца фабрики
фотобумаги и пластинок в Лионе. Они не только хорошо разбирались в технике,
но и были неплохими фотографами. Именно они изобрели самый лёгкий и
компактный аппарат. Испытывая его, братья Люмьер сняли несколько роликов,
и, подобрав программу, устроили первый публичный киносеанс в Гран-Кафе на
бульваре Капуцинок.
Отныне «оптическая иллюзия» стала достоянием многих зрителей. Один и тот же
фильм могли просмотреть десятки, сотни, тысячи людей. Можно было заснять
любую «сценку жизни» и показать её на экране. Первые фильмы, снятые
братьями Люмьер, так и назывались: «Прибытие поезда», «Завтрак ребёнка»,
«Садовник или Политый поливальщик». Фильмы братьев Люмьер были «картинками
из жизни» на самые разнообразные темы: видовые фильмы, фильмы, где сняты
праздники, шествия, молебны, катастрофы, и картины, где люди специально
разыгрывали перед камерой какие-то сценки. Так в самом начале кино
разделилось на два вида: фильмы документальные и игровые.


 РОЖДЕНИЕ ЯЗЫКА КИНО.

 Раннее кино не было столь уж примитивным, каким мы его иногда
представляем. Кино понемногу обретало свой язык – истории становились всё
сложнее, всё длиннее, делились на множество отдельно снятых кусков. Но
однообразие уже приедалось; иногда камера подрагивала в руках оператора,
когда актёры убегали к краю кадра. Камера стремилась прийти в движение!
Кинематографический рассказ требовал поиска новых выразительных средств.
В знаменитом «Прибытии поезда» мы можем наблюдать изменение крупности
планов. Несмотря на то, что камера стоит на одном месте, пространство кадра
активно. Сначала к анм издалека мчится поезд, потом быстро идут люди. Мы
видим их так же, как видели бы, находясь на перроне. Зрителя не покидает
ощущение, что камера вот-вот сдвинется с места.
Именно об этом фильме ходила легенда, будто впечатлительные парижанки
настолько испугались едущего прямо на них поезда, что бросились убегать из
зала или впали в истерику. Свидетелей этого случая история не сохранила,
так что он вполне может оказаться красивой сказкой, придуманной тем, кто
очень хотел выразить свои переживания от просмотра.
По пути придётся расстаться и с очень красивой легендой о том, что
знаменитая лента «Прибытие поезда» была самым первым фильмом в истории
человечества. Этой ленты не было даже в программе первого киносеанса! Но у
всякой легенды есть свои причины. «Прибытие поезда» отметили и запомнили не
только зрители, но и критики, потому что этот короткий фильм был настоящим
открытием. Экран запечатлел не просто бытовую сценку – был создан настоящий
художественный образ мира.
 Мельес стал делить киноистории на отдельные сценки и каждую снимал
отдельным кадром. Степень условности была очень близка к той, которую люди
уже привыкли видеть в театрах и комиксах. Камера не двигалась, тем не
менее, кадры получались разной крупности. Начали передвигать актёра ближе к
камере, чтобы рассмотреть выражение лица или сделать понятным какое-то
мелкое действие. Сюжет начинали выстраивать уже не последовательно –
происходила переброска действия из одного места в другое. Так возник
параллельный монтаж. Привычный для литературы приём «а в это время…» был
реализован на экране. Появилась возможность делать зримыми, осязаемыми
мысли, воспоминания, чувства героев.
Эдвин С. Портер, в отличие от Мельеса, не увлекался киносказками. Француз
уводил зрителей в мир фантазии, а американец брал героев из повседневной
жизни.
В финале его фильма «Большое ограбление поезда» бандит почти крупным планом
– в кадре рука и лицо – стреляет в аппарат, то есть в зрителей. Это
производило огромное впечатление.
Эффект этого трюка показывал, что искусство кино уходит от театра, обретая
свой, новый, неведомый ранее язык.

 ПО ДОРОГАМ МЫСЛИ И ЧУВСТВА.

 Кинематограф учился видеть мир у живописи и фотографии. Но начало кино,
его первые шаги – ролики плёнки, которые представляют собой просто
единичные ожившие кадры. Для того, чтобы выразить длинную и более сложную
мысль, пришлось соединить несколько кусков плёнки. То, что объединяет
несколько кадров общим смыслом, и есть очень важный принцип, основа
киноискусства – принцип монтажа. Чаще всего, употребляя слово «монтаж»,
подразумевают, что при соединении кусков плёнки возникает смысл, которого
не было ни в одном отдельно взятом кадре.
 Ещё в первых монтажных экспериментах у Льва Владимировича Кулешова одно
и то же лицо Ивана Мозжухина, снятое «нейтрально», без какого-либо
определённого настроения, зрители воспринимали по-разному: из соединения
двух кадров возникал третий, совершенно иной смысл! Рождалось настроение,
которого не было – гнев, горе, радость.
 Не только мы смотрим на экран – экран тоже воздействует на нас,
приближая или удаляя место действия, соединяя несоединимое и рождая смысл,
которого нет в отдельных кадрах… Экран в буквальном смысле слова играет с
нами, и делает это очень активно. Посмотрите отрывок из любого фильма: вы
то видите мир с высоты, то приближаетесь к героям, то вдруг оказываетесь
далеко от них, можете даже незаметно для себя путешествовать во времени… Мы
совершаем ежесекундные головокружительные перемещения и почти на это не
реагируем: «необычность» языка экрана давно стала для нас привычной. Со
временем язык экрана становится всё более быстрым и энергичным. Так, в
коротком видеоклипе электронный монтаж может объединить до 300 кадров –
столько же, сколько в среднем фильме 1920-х годов!
 Мы же порой не замечаем, как год от года язык экрана становится всё
сложнее. Вы ходят новые фильмы, возникают новые виды монтажа. А наше
восприятие изменяется – и опять требует обновления экранного языка.

 СМОТРЕТЬ И ВИДЕТЬ ФИЛЬМ.

 Кадр, ракурс, монтаж… Мы пытаемся разгадать загадку экранного образа,
разъять его на составные части. Но не так-то просто понять смысл,
притаившийся в глубине фильма. Кино – наследник всех искусств. Образы
каждого искусства вкладывают свою долю в наше восприятие. Образ в кино
всегда многослоен, многозначен; и пробираться к основной мысли иногда
приходится шаг за шагом, сравнивая, сопоставляя, разбираясь. Основа языка
кино – монтажный образ. То, что получается в результате монтажного
сочетания (или столкновения) двух и более кадров.
 Значит, нужна точка отсчёта. Нужен своеобразный центр экранного мира. А
им всегда остаётся герой фильма. Человек, который выступает в искусстве
мерой всех вещей. И в душе героя, в течение сюжета, в прихотливой смене
грусти и радости, отчаяния и нежности, ненависти и любви заключено всё то,
что волнует автора. Мы не должны забывать, что, понимая значение каждой
монтажной фразы, мы будем пока что так же далеки от общего смысла, как
человек, читающий по слогам, от смысла литературы. Общий смысл экранного
произведения всякий раз рождается заново на наших глазах, в момент
восприятия. Экранный мир создаётся и изменяется каждую минуту, и мы,
постигая его, каждый раз можем находить в нём что-то новое – ведь и мы
меняемся с каждым днём…
 Так, современное американское кино очень часто прячет под фильмами
особого жанра – «экшн» (действие) – миф или сказку.
 Такие фильмы могут быть ироничными или серьёзными, забавными и
занимательными, но их основная черта – захватывающее, стремительное
действие. Они полны погонь, схваток, столкновений. Их герои порой начинают
стрелять или драться прежде, чем до конца разберутся в ситуации. Проблемы
решаются в основном кулаками и скоростью. Не лишними будут также вовремя
подоспевшая помощь (хотя герой уже всех победил) и улыбка героини – хотя бы
и не главной.
 Для таких фильмов и актёр нужен соответствующий. Здесь не требуется
талант перевоплощения и умение заставить зрителя проникнуть в мир чувств
героя. Внимание зрителя сосредоточено на действии, а актёр должен просто
представить героя в стиле эпоса. Для такого героя достаточно и одного
чувства – ярости, мести, обиды. Внешность таких актёров гораздо важнее, чем
глубина чувств.
 Словом, действие в таких фильмах напоминает нам о ранних литературных
жанрах: это киноэпосы или откровенные сказки, даже если на экране
современная жизнь.
Далеко не часто выпадает нам шанс увидеть что-то, достойное размышления. В
хорошем фильме каждая деталь, каждая мелочь ненавязчиво, но точно
«работают» на сюжет.



 РОЖДЕНИЕ ПЛАНЕТЫ «ГОДДИВУД»
 Почти сто лет назад, в начале 1908 г, первые американские
кинопроизводители потянулись из колыбели национальной киноиндустрии - Нью-
Йорка на Западное побережье, в Калифорнию. Так появился Голливуд - великая
фабрика грёз и столица иллюзий. Слово Hollywood образовано от английских
слов holly - остролист и wood - лес. В 1886 г. некая Дейда Уилконс из
Канзас-Сити вместе со своим мужем застолбила участок земли в окрестностях
Лос-Анджелеса, назвав его Hollywood. Через несколько лет супруги стали
сдавать землю в аренду, а к 1930 г. вокруг ранчо вырос целый посёлок,
присоединённый к Лос-Анджелесу на правах пригорода. Первым
кинематографистом, ступившим на землю Голливуда, был Уильям Зелиг, который
КУ пил часть земли, чтобы разместить на ней филиал своей чикагской кино
компании.

Самый мощный в мире центр кинопроизводства возник в результате так
называемой патентной войны. Знаменитый изобретатель Томас ва Эдисон (1847-
1931), тентами на свои открытия. Все, кто пользуется результатами чужих
открытий, должны за это платить. Кинотеатры в начале XX в. росли как грибы
после дождя; к концу первого десятилетия их насчитывалось в Америке свыше
десяти тысяч - чуть ли не больше, чем во всей Европе. Они назывались никель
одеонами (пятицентовыми кинотеатрами) и приносили хороший доход: делец,
купивший никель-одеон за две тысячи долларов, уже через три месяца
возвращал свои деньги. Когда фирма Эдисона начала испытывать финансовые
трудности, изобретатель решил поправить дела, заставив платить тех, кто
пользовался его аппаратами. Однако владельцы кинотеатров и прокатчики не
спешили расставаться с деньгами. На каждое обращение Эдисона в суд они
отвечали встречными исками. Так разгорелась юридическая патентная война.

Чтобы выиграть наверняка, фирма Эдисона объединилась с другими компаниями,
также владевшими радом патентов. Возникла Моушн пикчерз патент компании
(МППК) (часто эту компанию называли просто Патентным трестом). Она
попыталась полностью взять под свой контроль производство и прокат фильмов.
24 декабря 1908 г. по требованию треста полиция Нью-Йорка закрыла в городе
более пятисот никель одеонов, не плативших Дань. Этот день вошёл в историю
американского кино под названием чёрное Рождество.

Через несколько месяцев трест. Распространил своё влияние на большую часть
американского кино рынка. Неподчинившиеся кинопредприниматели (их стали
называть "Независимыми”) тоже объединились. Между МППК и "независимыми”
началась настоящая схватка, Агенты компании, не довольствуясь судебными
мерами, ломали проекционные аппараты, заливали серную кислоту в баки для
проявки плёнки, на съёмках несколько актёров попали в больницу с серьёзными
ранениями.

Кинопроизводство сосредоточивалось тогда в Нью-Йорке и Чикаго. Чтобы
избежать преследований со стороны МППК, "независимые” в конце 1907 - начале
1908 г. стали перебираться подальше от этих городов - на Западное
побережье. Им полюбился Голливуд - благодаря мягкому климату, обилию
необходимых для съёмки солнечных дней, живописности окрестных пейзажей:
гор, лесов, пустынь, где можно было бы разыгрывать самые разнообразные
сюжеты. В 1909 г. на голливудской Миши-роуд выросли павильоны первой
стационарной кинофабрики.

 ЭРА НЕМОГО КИНО В ГОЛЛИВУДЕ.


 В 1907 году Дейвиду Уорку Гриффиту предложили сняться в картине Эдвина
Портера "Спасенные из одного гнезда”. И хотя первоначально ему кино не
понравилось, затем уже в течении года он снял 61 короткометражный фильм.
Гриффита считали одним из самых многообещающих режиссеров Америки. К концу
1913 года на его счету было уже свыше 450 лент, и его не даром называли
Шекспиром экрана.

 Сегодня его работы демонстрируются весьма редко, но Гриффит вошел в
историю кино как гениальный режиссер, создатель нового кино языка,
использовавшегося большинством его коллег вплоть до 1960-х годов.


 ОТЕЦ ТЕХНИКИ КИНОСЪЁМКИ.


 Отталкиваясь от достижений своих предшественников - пионеров
художественного кино, Гриффит начал разбивать сцены на множество съемочных
кадров, варьируя расстояние и ракурс съемки, чтобы придать действию большую
драматичность. Кроме того, для создания максимальной напряженности он
постепенно наращивал темп параллельного монтажа, пока действие не достигало
своего эмоционального пика. Особенно эффективен этот метод был для показа
"чудесных” спасении, ставших фирменным знаком Гриффита.

 Гриффит также стал новатором в области актерского искусства. Он
понимал, что камера невольно акцентирует внимание на каждом жесте актеров,
отчего создается впечатление, что они все время переигрывают. В результате
многие сцены смотрелись довольно глупо, особенно те, что снимались крупным
планом, и должны были изображать бурные чувства персонажей. Гриффит же
требовал от актеров более тонкой игры, что делало его фильмы более
убедительными.

 Для повышения качества своих работ Гриффит широко использовал приемы и
методы, заимствованные из других видов искусства. Он отказался от
нарисованных задников, обычно применявшихся при съемках ранних картин, в
пользу твердых декораций, наподобие тех, что используются в театре. Помимо
создания реалистической атмосферы, такие декорации позволяли камере более
свободно перемещаться, что усиливало у зрителей степень вовлеченности в
действие. Будучи большим поклонником викторианского искусства, Гриффит
также пытался строить композицию каждого кадра подобно тому, как это делает
художник на полотне, заполняя экран различными деталями, призванными помочь
зрителю лучше понять личность или поступок персонажа. Когда Гриффиту нужно
было сделать акцент на каком-либо предмете или жесте, он часто пользовался
особым методом, при котором весь экран затемняется за исключением той
области, где находится искомый объект.

 Хотя Гриффит специализировался в основном на мелодрамах, он снял и
комедии, исторические картины, триллеры, вестерны, экранизацию Библии,
различных литературных произведений, а также ряд фильмов социального
звучания.



 «РОЖДЕНИЕ НАЦИИ».

 К 1913 году Гриффиту надоело снимать короткометражные картины, не
дававшие ему возможности в полной мере продемонстрировать свое искусство
киносъемки. Большинство кинопродюсеров того времени полагали, что зритель
не сможет высидеть на сеансе свыше 15 минут, но Гриффит придерживался иной
точки зрения. Годом раньше он имел возможность наблюдать за реакцией зала
на французский фильм "Королева Елизавета” продолжительностью около 50
минут, а позже на итальянский эпический фильм "Камо грядеши?”, шедший почти
два часа. После громкого скандала по поводу длительности его 42-х минутной
картины "Юдифь из Бетулии” в 4-х частях (1913) Гриффит ушел из компании
"Американ Байограф” и приступил к работе над своим первым полнометражным
фильмом "Рождение нации”.

 В эту трехчасовую киноэпопею Гриффит вложил все свои знания в области
режиссуры. Фильм "Рождение нации” (1915), в котором прослеживалась история
отношений двух американских семей на протяжении Гражданской войны и
следующего периода восстановления страны, стал наиболее значительной
картиной из всех, снятых в Америке того времени. Особенно зрелищными были
батальные сцены, в которых кадры, снятые общим планом, монтировались с
крупными планами, что позволяло зрителю наблюдать за ходом сражения как бы
изнутри. Некоторые сцены для большей убедительности снимались на специально
окрашенную пленку.

 "Рождение нации” имело столь грандиозный успех, что затраты на его
производство окупились в течение двух месяцев проката картины. Аудитория
состояла из представителей всех слоев общества, и это существенно повысило
культурный статус кинематографа. В то же время изображение черных
персонажей носило в фильме откровенно расистский характер, что вызвало бурю
протестов и привело к запрету картины во многих американских городах.

 Его более поздние картины, вроде "Сломанных побегов”(1919), были
встречены благожелательно, он фактически перестал экспериментировать, его
работы становились все более старомодными и сентиментальными. В 1948 году,
спустя 18 лет после выхода его последнего фильма, он умер, совершенно
забытый (подобно Мельесу и многим другим) той самой кинематографической
средой, в создание которой он внес столь неоценимый вклад.


 КИНОВОЙНЫ.

 В 1907 году, когда Гриффит увлекся кинематографом, мир кино находится
 на грани хаоса. Этот мир в основном контролировался изобретателями
причастными к созданию проекционной аппаратуры . Многие из них были заняты
взаимными разборками, известными как "война патентов”, суть которых
составляли споры о правах собственности на эту аппаратуру. Эта юридическая
война разразилась еще в 1897 году, однако, несмотря на бесчисленные
судебные разбирательства , урегулировать спор не представлялось возможным -
слишком много людей внесли свой вклад в развитие техники для кино. Тем не
менее, в 1909 году Томас Эдисон объявил перемирие, чтобы всерьез заняться
более серьезной проблемой в американском кинематографе - пиратством.

 Тогда же, в 1909 году, для Эдисона и прочих производителей
кинопродукции проблема заключалась в том, что ничто не мешало прокатчикам и
владельцам кинотеатров делать нелегальные копии популярных картин и
демонстрировать их публике, ничего не платя создателям. Для пресечения
подобной практики Эдисон и восемь его конкурентов решили образовать
Патентную компанию. Эта организация отказывалась предоставлять картины тем
кинопрокатчикам, кто имел дело с пиратами либо приобретал фильмы у компаний
не являющихся ее членами.

 В ответ на этот шаг ряд кинопрокатчиков объявил о своей независимости и
наладили производство собственных картин. В 1910 году независимые создали
собственную организацию и подали в суд на Патентную компанию, обвинив ее в
незаконной попытке взять под контроль весь кинобизнес путем создания
монополии, или треста. Последовавшая за этим "Трестовая война” явилась
одним из наиболее ярких эпизодов истории американского кинематографа:
вооруженные отряды Патентной компании наводнили страну, терроризируя
съемочные группы независимых и конфисковывая их аппаратуру. Согласно
легенде кинопромышленность обосновалась в Голливуде-городке, где прежде
выращивали апельсины, - лишь потому, что он был расположен вблизи
Мексиканской границы и независимые могли покинуть страну, прежде чем
наемники из Патентной компании их настигнут.

 На самом же деле Голливуд имел массу других достоинств. Там было
сколько угодно солнца, кругом раскинулись великолепные пейзажи - горы,
долины, острова, озера, пляжи, пустыни, леса, - где можно было воссоздать
любую натуру, встречающуюся на планете. Земля здесь стоила дешево, в
окрестностях имелась многочисленная рабочая сила для строительства и
обслуживания киностудий. К 1915 году здесь сосредоточилось 60%
американского кинопроизводства, а за последующие пять лет сформировалась
система киностудий, позволившая Голливуду стать кинематографической
столицей мира.



 ВОЗНИКНОВЕНИЕ ЖАНРОВ.

 "Киномоголы” стремились выдавать развлекательную продукцию высшего
качества, но не желали рисковать, выпуская картины, коммерческий успех
которых был сомнителен. Дабы свести этот риск к минимуму, они стали
сосредоточивать свои усилия на фильмах определенных жанров. В таких
картинах многократно обыгрывались наиболее популярные сюжеты, персонажи,
знакомые темы, что обеспечивало кассовые сборы.

 Наиболее популярными жанрами были детективы, фильмы ужасов, комедии,
мелодрамы, приключенческие фильмы и вестерны. Успех самых прибыльных картин
обеспечивался умелыми рекламными компаниями, в центре которых находились
кинозвезды.

 Ярчайшие звезды немого кино - Мэри Пикфорд и Дуглас Фернбенкс - входили
в число самых высокооплачиваемых актеров мира. После их бракосочетания в
1920 году они были причислены к своего рода голливудской аристократии. Мэри
Пикфорд называли любимицей Америки. Как правило, она играла молодых
невинных девушек в фильмах типа "Ребекка с фермы Саннибрук”(1917). Однако
стоило ей взяться за разноплановые роли, как ее популярность тут же упала.
Публика не желала признавать, что их любимица попросту повзрослела. Дугласу
Фернбенксу славу принесли главные роли в нескольких социальных комедиях,
однако его мужественность и атлетическая фигура больше всего подходили для
головокружительных приключений, таких, как в картине "Черный пират”(1926).
В 1919 году эта пара объединилась с Чарли Чаплином и режиссером Д.У.
Гриффитом, и они совместными усилиями создали собственную компанию "Юнайтед
артистс”.


 КИНО ЭПОХИ ДЖАЗА.

 После первой мировой войны Америка претерпела разительные перемены.
Неотъемлемой частью ее жизни стали автомобили, радио, бульварная пресса и
новое направление в музыке, названное джазом. Молодое поколение американцев
рассматривало 1920-е годы как начало новой эпохи и решительно избавлялось
от многих казавшихся им устаревших культурных традиций, существовавших до
войны. В основе этой социальной революции лежал более свободный взгляд на
вопросы секса и морали, чем Голливуд не замедлил воспользоваться.

 Теперь актрисы типа Теды Бари рекламировались как богини любви, личная
жизнь которых не менее бурная, чем страсти, бушующие в их фильмах. В
конечном итоге, благодаря богемному стилю жизни звезд, Голливуд получил
прозвище "город мишуры”. В начале 1920-х годов всех потрясла серия
скандалов, в которую оказались вовлечены некоторые из его знаменитостей.
Политики стали требовать выяснения, как ведутся дела в кинобизнесе.
Киностудии попытались найти компромисс. Чтобы избежать расследования со
стороны властей, они ввели собственные весьма жесткие моральные требования
к моральному облику своих сотрудников, к цензуре выпускаемой кинопродукции.
Был создан специальный орган, так называемый "Хейз офис”, в чьи функции
входил контроль за соблюдением нравственного кодекса и восстановлением
привлекательного имени Голливуда.

 Однако постановщики фильмов вскоре научились искусно обходить
нравственный кодекс со всеми его запретами и ограничениями. Сесил Б.Де
Милль, который, до того как специализироваться на эротических комедиях,
сделал себе имя на вестернах и мелодрамах, приступил к постановке картин
типа библейской эпопеи "Десять заповедей”(1924).

 Невзирая на множество сцен сладострастия, разврата и насилия, эти
фильмы счастливо избегали цензуры, поскольку порок в них неизменно
наказывался, а добродетель вознаграждалась.

 С весьма экспрессивным стилем Де Милля резко контрастировала утонченная
манера немецкого режиссера Эрнста Любича, которого пригласила в Голливуд
Мери Пикфорд. Столь же изысканный стиль отличал и Эриха фон Штрогейма,
австрийца по происхождению, бывшего ассистента Д.У. Гриффита, который
прославился во время первой мировой войны как актер, часто игравший роли
грубых и жестоких немецких офицеров. Его прозвали человеком, которого
приятно ненавидеть. Как режиссер он был знаменит своими глубокими
изысканиями в области адюльтера и сатиры на венское высшее общество с
использованием метода мизансцен.

 Буквально слово "мизансцена” означает "помещение на сцену”, а
применительно к кино это явилось дальнейшим развитием методов Гриффита,
вязанных с передвижением камеры по съемочной площадке, чтобы привлечь
внимание зрителей к важным или символичным деталям.

 Стремясь к максимальной достоверности своих картин, фон Штрогейм
настаивал на том, чтобы в них все было как можно естественней, но продюсеры
находили его стиль слишком экстравагантным и некоторые фильмы подверглись
цензурным сокращениям. Особенно пострадал главный шедевр режиссера - фильм
"Алчность”(1923): из 42 частей картины широкая публика увидела лишь 10. И
хотя купюры нарушили стройность сюжетной линии, этот фильм благодаря
режиссерскому мастерству фон Штрогейма стал одним из величайших достижений
мировой кинематографии.


 ЗАКАТ ВЕЛИКОГО «НЕМОГО».

 С появлением в 1927 году звукового кино интерес к немому кинематографу
пропал практически мгновенно. Столь внезапный закат немого кино не имеет
аналогов в истории искусства. К примеру, появление рок-н-ролла не привело к
исчезновению других музыкальных жанров. А вот кумиры эры "Великого немого”
в наши дни почти совсем забыты, и фильмы той поры, за исключением комедий и
некоторых эпических полотен, очень редко демонстрируются на экранах.

 И все же некоторые картины, снятые в то время в Голливуде по праву
принадлежат к числу величайших шедевров в истории кино. Хотя режиссеры
немого кино часто прибегали к помощи титров, сообщая зрителям важную
информацию, все же главная ставка делалась на зрительные образы, причем не
только при развитии сюжета, но и при передачи мыслей и чувств персонажей.
Разумеется, зрителю понадобилось время, чтобы уяснить язык "Великого
немого”, однако вскоре он научился понимать смысл тех или иных жестов.

 Создание игровых фильмов в 1920-е годы было весьма нелегким делом, и
те, кто этим занимался, должны были уметь не только развлекать публику, но
и общаться с ней. Хотя система киностудий предоставляла мало возможностей
для самовыражения художника ( в отличие от европейского кинематографа), она
тем не менее породила множество талантливых режиссеров. Некоторые из них,
такие, как Джон Форд или Кинг Видор, заняли видное место в звуковом кино,
другие, как Джеймс Круз, Рекс Ингрем, Льюис Вебер и Фред Нибло, канули в
небытие.

 Американские "киномоголы” высоко ценили изощренность и артистичность
европейского кино и приглашали в Голливуд многих режиссеров, технических
специалистов и актеров из Европы. Влияние немецкой кинематографии отчетливо
заметно в классическом стиле освещения, декораций и операторского искусства
Голливуда 1930-х годов. Но не многие европейцы оставались там на совсем,
поскольку им было трудно приспособиться поточному методу голливудских
киностудий. Они возвращались на родину, чтобы там внести свой вклад в
сокровищницу мирового киноискусства.



 ВЕЛИКИЙ ЧАРЛИ ЧАПЛИН.

 Чарли ЧАПЛИН, Чарли... У любого человека это имя ассоциируется с
кинематографом. Чарли стал олицетворением самого кино, его символом, его
легендой... Но он - живая легенда. Его фильмы, снятые почти в начале века,
мы смотрим до сих пор. Первая картина с участием Чаплина "Зарабатывая на
жизнь" появилась в 1914 году. Но не ее герой принес Чаплину всемирную
славу, а новый, появившийся чуть позже, для которого актер придумал свой
облик-маску - шляпу-котелок, черные усики, тросточку, большущие башмаки,
нелепую походку. У этого персонажа будет уже и свое постоянное имя - Чарли.

 В чем же секрет бесконечности царствования героя Чарли на экране?
Возможно, в том, что его создатель был необыкновенным художником. Он был
актером, сценаристом, режиссером, он даже сочинял музыку к своим поздним
фильмам. В актерское искусство Чаплина тесно вплетались клоунада,
пантомима, цирк. Он умел смешить зрителя как никто другой, но при этом
обладал еще необыкновенной особенностью - он вызывал не только смех, но и
слезы, люди плакали на его картинах. Чаплин создал свой, особый мир на
экране и своего, особого героя, которому никогда не везло, который терял
даже то немногое, что имел. У его фильмов никогда не было конца - его Чарли
просто удалялся от нас по пустынной дороге, уходя в темноту кадра. И в
каждом следующем фильме мы вновь встречались с ним и смотрели продолжение
смешной и одновременно грустной истории маленького, забавного человека по
имени Чарли...

 В Голливуд Чарли попал в 1913 году. Первые свои шаги в кино Чаплин
сделал под руководством режиссера Мака Сеннета, создателя "Кистоун". В 1914
году он снялся уже в 34 фильмах, добрая половина которых была поставлена по
его собственным сценариям... Чаплин быстро стал знаменитым. Уже в 1916 году
вышла первая книга о нем, полная всяких домыслов и сплетен. В 1920-м вместе
со своими друзьями, актерами-супругами Дугласом Фербенксом и Мэри Пикфорд и
режиссером Дэвидом Гриффитом, он основал кинокомпанию "Юнайтед Артистс".
Собственная компания позволила Чаплину ставить все, что он только хотел. И
он ставил, играл и добивался фантастического успеха! Этого не могла не
заметить Американская академия киноискусства. В 1928 году Чаплин удостоился
номинации на премию "Оскар" как актер и режиссер за фильм "Цирк" (по
решению членов Академии он получил тогда специальный "Оскар"), а позднее, в
40-м, стал "оскаровским" номинантом за картину "Великий диктатор".
 Но даже удостоенный признания и наград, он был не очень любим
Голливудом. Конечно, частенько сам Чаплин был причиной этой нелюбви - он
становился героем скандалов, подогревал интерес к себе желтой прессы. Его
бесчисленные романы, интрижки, браки с молоденькими актрисами, а затем
шумные бракоразводные процессы - это ли не было лакомым куском для
репортеров? Но, увлекаясь юными красотками, Чаплин, однако, не забывал о
кино. "Бродяга" (1915), "На плечо!" (1918), "Малыш" (1921), "Пилигрим"
(1923), "Золотая лихорадка" (1925), "Цирк" (1928), лишь только выйдя на
экран, признавались шедеврами...
 В 1940 году вышла картина Чаплина "Великий диктатор". Несмотря на ее
громкий успех, о ней весьма не лестно отозвался президент США Рузвельт, к
тому же германское посольство в Вашингтоне потребовало запрета картины, да
и правительства стран Южной Америки, сочувствовавших Германии, настаивали
на том же. Но можно ли было запугать Чарли! Однако оскорбленным он себя
почувствовал.
 В годы второй мировой войны он активно выступает в поддержку Советского
Союза и призывает правительство США к открытию второго фронта. В ответ на
эти выступления, в чем только не начали обвинять Чаплина!
 В 1947 году он поставил, по его мнению, один из самых блестящих своих
фильмов - "Мсье Верду", злую, едкую сатиру на окружающее общество. Этого
Чарли простить не могли, и не потому ли к нему проявила интерес комиссия по
расследованию антиамериканской деятельности. Словно вступив в диалог с
недругами, Чаплин поместил в английском еженедельнике "Рейнольдс Ньюс"
статью "Я объявляю войну Голливуду". В том же 47-м Чарли произнес:
"Возможно, наступит время, когда Америка сочтет мое присутствие
нежелательным..."
 В 1952 году, находясь с семьей на борту лайнера "Куинн Элизабет",
Чаплин узнал из телеграммы о решении госдепартамента США. Ему было отказано
во въезде в Штаты. Чаплин давно готовил себя к этому, но не думал, что удар
будет таким сокрушительным.
 Не так уж и удивительно, что в 52-м году на экраны вышла картина
Чаплина "Огни рампы", которую многие назвали фильмом-прощанием. Лучшие
сцены "Огней рампы" - сцены, в которых Чаплин показывал клоунов и актеров-
комиков начала века. Вспоминаются куплеты с дрессированной блохой, сцена,
где партнером Чаплина выступает еще один блестящий комик - Бастер Китон.
Этой картиной Чарли возвращался к славным годам, когда он только начинал
свою карьеру...
 Следующий свой фильм он снял только в 57-м, это был "Король в Нью-
Йорке". В 1966 году вышла последняя картина великого Чаплина - "Графиня из
Гонконга". Главные роли в ней играли Марлон Брандо и Софи Лорен. Сам
режиссер и актер сыграл крохотную роль, а в эпизодах появились его дети
Джеральдина, Виктория и Майкл. Картина провалилась в прокате, и ее
создатель, не сопротивляясь, навсегда распрощался с кино.
 В 1952 году Америка отказалась от великого актера и режиссера. В 72-м,
она решила примириться с гением, подарившим ей свои талант и славу.
Американская киноакадемия наградила Чаплина специальным "Оскаром" за
"неоценимые заслуги в области киноискусства". Он вернулся в Штаты за своим
Оскаром.
 Его не стало 25 декабря 1977 года. Он умер в Швейцарии в окружении
близких, и ему шел 89-й год. Через три месяца после похорон гроб с телом
Чаплина был похищен из могилы. Похитители требовали от семьи актера выкуп в
600 тысяч франков. Когда семья ответила отказом, за дело всерьез взялась
полиция. Через полгода преступники были пойманы, а гроб с останками
возвращен на место... Даже уйдя из жизни, Чарли продолжал дарить кино
сюжеты для фильмов...



 ЗАРУБЕЖНОЕ КИНО В 50-90-Е ГОДЫ.

 Крах фашизма, общая демократизация мира оказали на кинематограф
значительное влияние, породив в нем ряд значительных явлений. Одним из них
был итальянский неореализм.
Первым шедевром неореализма стал фильм, созданный почти документальным
способом, хотя в нем участвовали актеры, и снимавшийся еще в оккупированном
Риме. Это был «Рим - открытый город» (1945) режиссера Роберто Росселини.
Катина состояла из ряда эпизодов. В основе которых лежали подлинные
факты, среди них история коммуниста Феррари, преданного и замученного
гестаповцами. Священника Морозини, расстрелянного за
помощь подпольщикам.
 Другое клоссическое произведение неореализма – картина Викторио де Сика
(1901-1974) «Похитители велосипедов». Де Сика отказался от профессиональных
актеров: на роль главного героя пригласил подлинного безработного, а роль
10-летного Бруно пригласил
мальчика действительно служивший рассыльным..
Неореалисты брали, как правило, рядовой жизненный факт и анализировали на
экране причины его возникновения и социальные корни. Так, режиссер Джузеппе
Де Сантис, прочтя в газете сообщение о том, как по объявлению,
приглашавшему на работу одну машинистку, пришли сотни девушек. И под
выстроившейся очередью обрушилась лестница, сделал это событие основой
волнующего фильма «Рим 11 часов» (1952), касавшегося проблемем безработицы.
Неореализм значительно обогатил эстетику мирового кино. Использование
простых житейских историй, приглашение натурщиков, съемки на улице стали
входить в кино многих стран.
В 50-х - 60-х годах приходят в киноискусство Роберто Росселини (1906-1977)
и Лукино Висконти (1906-1976), Микеланджело Антониони Федерико Феллини -
будущие крупнейшие мастера мирового кино. Именно в их картинах отразилась
одна из ведущих тенденций западноевропейского кинематографа 50-х середины
60-х годов - исследование психологии современного человека, социальных
мотивов его поведения, причин смятения чувсв и разобщенности между людми.
Об этом фильмы Феллини: «Дорога», «Маменькины сынки», «Ночи кабирии»,
«Сладкая жизнь» и т.д.
 С середины 70-х годов начинается кризис итальянского кино. Резко
снижается посещаемость кинотеатров, резко возрастает число коммерческих,
чисто развлекательных картин.
 Когда в начале 50-х г. появились кинофестивали, то сенсацию произвели
японские фильмы. Это было открытие своеобразного, необычного культурного
мира. Сегодня режисеры Акира Куросава, Кането синдо, Тадаси Имаи входят в
число лучших кинохудожников современности.
 Японское кино в лучших своих произведениях самобытно и глубоко
национально. Например, фильмы Акиры Курасавы отличает яркая
исключительность человеческих характеров, острый драматургический конфликт,
через них проходит главная тема творчества режиссера: нравственное духовное
совершенствование личности, необходимость творить добро («Рассемон», 1950,
«Семь самураев», 1954, «Дерсу Арзала», 1976, совместно с СССР «Тень воина»,
1980.
 Швеция породила удивительного мастера Ингмара Бергмана. Его творчество
наиболее ярко выразило особенности скандинавского художественного мышления
и мироощущения, типичного не только для Швеции, но , очевидно, для многих
стран Запада. В таких фильмах, как «Седьмая печать», «Земляничная поляна»
(оба 1957), «Осення соната» (1978), «Источник», «Персона», «Лицо» (1958),
«Молчание» (1963), Бергман как бы подвергает их сомнению, развивает тему
трагического одиночества человека в обществе. Бергман воспитал
замечательных актеров, которых пригласили сниматься во Францию, ФРГ, США, -
М. Фон Сюдов, И. Тулин, Б. Андерсен, Л. Ульман и. др.
 Испания дала миру неординарного кинохудожника Луиса Бюниэля (1900-
1983), который стал знаменитым французским режиссером. На протяжении всего
своего творчества он стал верен взглядам сюрреализма, начиная с 1928г. ,
когда вместе с Сальвадором Дали они сняли фильм «Андалузский пес» и
скандально известного фильма «Золотой век» (1930; запрещение на этот фильм
продержалось полвека) до фильма 1977г. «Этот смутный объект желания». Но
если в первых картинах чувствовалась сюрреалистическая задиристость,
использовался весь набор сюрреалистических тем (безумная любовь, черный
юмор), то в фильмах 2-й половины века сюрреализм не менее острый, но уже не
вызывающий, как будто
успокоенный («Назарин», 1958, «Млечный путь», 1968, «Призрак свободы»,
1976.
 Когда мы говорим об английском кино, нам сразу вспоминается
замечательные литературные экранизации. А также имена замечательных
режиссеров Альфреда Хичкока (1899-1980) и Линдснея Андерсона, Хичкока
считают одним из основоположников фильмов – ужасов, фильмов, где
используется техника массового психоза, массовой паники («Птицы»). Л.
Андерсон принадлежа к «Свободному кино» и остался ему верен в сложные
времена для английского кинематографа. Он снимал фильмы по литературным
произведениям («Эта спортивная жизнь», 1963), сатирические картины
«Госпиталь «Британия»». 1982г. и др.
США является суперкинодержавой, но ее киноиндустрия откликалась на
общественно-политические движения. В 60-е годы появились молодые
кинорежиссеры Ф. Коппола, М. Скорсезе, М. Николс, и др., которые бросили
вызов консерватизму «фабрики грез». На экране стали появляться актуальные
проблемы молодежи, ее неприкаянность перед всесилием доллара, мрак без
духовного прозябания, жестокие условия выживания.
Особое место в американском кино заняла тема войны во Вьетнаме, расколовшая
Голливуд на два непримиримых лагеря – защитников агрессии («Зеленые береты»
Д. Уэйна) и ее противников («Возвращение домой» Х. Эшби, «Строй» Р.
Сигела, «Взвод» О. Стоуна). Спад демократического движения в Америке усилил
попытки оправдать агрессию во Вьетнаме (сериал «Рембо»).
 Основной поток фильмов определяли мелодрамы, детективы, фильмы о
шпионах. Мировым бестселлером стал сериал об агенте 007 Джеймсе Бонде,
главную роль в котором исполнял Шон Коннери, а последние три фильма - Пирс
Броснан.
 В 70-80-е гг. ситуация в кинематографе меняется в связи
неоконсервативной политикой американской администрации, присоединение
крупных кинофирм к транснациональным монополиям и следовательно, слияние
кинодела с большим бизнесом. Продюсеры стали делать ставку на постановку
небольшого числа супердорогих фильмов в жанрах фильма-катастрофы
(«Аэропорт», Ад в поднебесье»), космической фантазии («Звездные войны»),
возросло влечение фильмами ужасов («Сияние» С. Кубика).
 Благодаря хорошо отлаженному механизму кинопроизводства, возможности
вкладывать в него большой капитал, американское кино заполонило весь мир,
его массированную атаку ощутили на себе Европейские страны в 70-80-е гг.,
теперь ее ощущают бывшие страны социализма. Пока США царят в мировом
кинорынке.
 Свою нишу в мировом кино занимает Индия. Индийское кино разнообразно, и
наряду с музыкально-танцевальными драмами в нем немало умных строгих
реалистических и психологически тонких картин. Не обошла индийский
кинематограф и «новая волна», ее представляет «калькуттская школа», по
своему характеру близкая к итальянскому неореализму. Наиболее выдающийся
режиссер этого направления Сатьяджит Рей. Главная тема Рея – жизнь простых
людей, их горести и маленькие радости, которые он показывал на фоне больших
перемен, происходящих в Индии («Песнь дороги»,1955, «Дом и мир», 1983).
Широко известны миру киноработы Раджа Капура (1924-1988) «Бродяга» (1951),
«Мое имя клоун» (1970), «Бобби» 91973), «Любовный недуг» (1982) и т.д.
Зарубежный кинематограф подарил миру замечательных артистов-звезд мирового
экрана: Анна Маньяни, Софи Лорен, Марчело Мастрояни, Франко Норо, Клаудиа
Кардинале, (Италия), Барбара Стрейзан, Мэрелин Монро, Элизабет Тейлор,
Ричард Бартон, Лаиза Минелли, отец и сын Дугласы, Дастин Форман, Джек
Николсон (США), Катрин Денев, Бриджит Бардо, Ален Делон, Жеррар Департье,
Луи де Фюнес, Жан Поль Бельмондо (Франция).